Comment faire un bon script ?

9 étapes que les scénaristes professionnels utilisent pour réaliser leurs scripts, avec des exemples et des modèles téléchargeables.

Par Mônica Wojciechowski avec la collaboration et les conseils techniques des enseignants et scénaristes Clara Meirelles et Paulo Marcelo do Vale La projection d’un film peut être une tâche herculéenne : il faut de la créativité, du dévouement et de la persévérance pour que les idées mûrissent.

Les scénaristes professionnels et expérimentés prennent souvent des années à écrire et encore plus de temps pour réviser un scénario et faire de nouveaux traitements, c’est-à-dire de nouvelles versions d’une même histoire, pour qu’elle soit parfaite.

De nombreux films qui ont conquis le public du cinéma national ont fait l’objet d’un long processus d’écriture et de révision :

• La Cité de Dieu a subi 12 traitements avant d’être prête.
• La cinéaste Anna Muylaert dit avoir commencé à penser et à écrire le scénario de What Time She Il revient en 2002 et le film n’a été présenté en première dans les salles qu’en 2015.
• Bingo : The King of the Morning, récemment lancé et écrit par Luiz Bolognesi, a subi 10 traitements en 4 ans.

Phew ! Mais ce n’est pas une raison d’abandonner.

Après tout, puisque l’inspiration ne se maintient pas sans une bonne dose de transpiration, les grandes histoires n’ont certainement pas été écrites en une seule séance devant l’ordinateur.

Avant de poursuivre les techniques, inscrivez-vous ci-dessous et recevez dans votre e-mail les modèles de mise en forme de script et de carte de caractère.

Pour vraiment aller au fond, il vaut également la peine de connaître nos cours de scénarisation .

Mais après tout : qu’est-ce qu’un scénario de film ?

Pour commencer, nous devons comprendre ce qu’est un script et à quoi il sert.

Un scénario n’est rien d’autre qu’un guide contenant (essentiellement) les scènes et dialogues d’un film ou de tout autre produit audiovisuel.

C’est comme le film écrit avant l’enregistrement

Il est essentiel que le projet prenne forme, que la production définisse les lieux (lieux où le film sera enregistré), que le réalisateur connaisse les personnages et puisse sélectionner les acteurs, afin que les acteurs connaissent leurs personnages et apprennent leurs lignes et que l’équipe de production priorise son travail et décider, par exemple, de l’ordre d’enregistrement des scènes.

Doc Comparato, théoricien et dramaturge, définit un scénario comme celui-ci :

Il s’agit de la forme écrite de tout audiovisuel. Il s’agit d’une forme littéraire éphémère, car elle n’existe que pendant le temps nécessaire à sa conversion en produit audiovisuel. Cependant, sans matériel écrit, rien ne peut être dit, donc un bon scénario n’est pas la garantie d’un bon film, mais sans scénario, il n’y en a pas de bon. film.

Comment commencer à écrire un scénario ?

Nous avons créé ici une étape par étape pour vous aider à commander ce qui doit être fait pour écrire un scénario, mais l’effort et la détermination sont personnels.

Il convient de rappeler qu’il n’y a pas de recette de gâteau et que chaque auteur a sa propre didactique.

Les meilleurs scénaristes lisent divers livres, manuels et suivent de nombreux cours avant de devenir professionnels.

Mais nous avons consulté deux scénaristes professionnels, Clara Meirelles et Paulo Marcelo do Vale, professeurs de l’International Film Academy (AIC), pour tenter de faciliter le travail de ceux qui débutent.

1. Plan – Comment sortir l’idée de votre tête et la mettre sur papier

Le monde regorge d’idées géniales.

Plus qu’une idée, vous avez besoin d’une histoire réelle, avec un bon caractère et un excellent conflit (dans un petit moment, nous parlerons plus de conflits et de personnages).

Ce qu’il est important de souligner, c’est qu’en plus de l’histoire, il est également important d’être très clair à qui vous écrivez , de connaître votre « public », de savoir à qui vous voulez atteindre.

Autres problèmes :

• Votre script sera inscrit à une annonce ou une offre à une société de production ?
• Quel est le but de la vidéo ou du film ?

Commencez par planifier et répondez à ces questions et à d’autres qui vous paraît importantes.

Concevez une stratégie et gardez à l’esprit comment la rendre efficace pour que votre projet soit lancé.

2. Développez votre histoire — En plus d’une bonne idée, vous devez faire beaucoup de recherches

Les grands films n’ont pas toujours des idées éblouissant.

Souvent, des idées simples, celles que nous ne perdons pas de raconter, finissent par donner de belles histoires.

Comme c’est le cas du film français classique « The Fabulous Fate of Amélie Poulain » qui part d’une petite boîte que le personnage trouve cachée dans son appartement, avec des jouets et d’autres objets.

La protagoniste décide de trouver le propriétaire de la boîte pour la restituer, car elle estime qu’elle est précieuse pour le propriétaire. Dès lors, toute l’histoire se déroule.

Une idée apparemment simple, mais magistralement développée.

Comment les scénaristes Jean-Pierre Jeunet et Guillaume Laurant ont-ils eu cette bonne idée ?

DE LA RECHERCHE ! Oui, beaucoup de recherches.

Souvent, les idées viennent du fait de regarder les gens dans la rue, dans le métro, de prendre un café ou de lire un article dans le journal. L’important, c’est que vous ne soyez pas gêné par l’idée romantique de l’originalité.

Un regard neuf sur quelque chose de banale peut faire un bon film.

Chaque auteur a une technique, mais tout le monde soutient qu’une recherche approfondie sur le sujet est essentielle.

Cherchez des livres, des pièces de théâtre, des films et d’autres histoires sur le même sujet.

Qu’est-ce qui a déjà été fait et que pouvez-vous ajouter à nouveau ?

Quelle approche et quel langage seront les plus originaux ?

Vous devez également définir le genre que vous écrivez. Est-ce un drame ? Une comédie ? Ou peut-être une comédie romantique ?

Il est important de se rappeler qu’un scénario ne raconte pas une histoire, il montre une histoire.

C’est pourquoi un scénariste doit créer des actions qui traduisent de façon imagetique ce qu’il veut dire.

Par exemple, ce n’est pas dans le script que vous décrivez un jardin en détail. Vous devez dire ce qui se passe dans le jardin, quelle est l’action.

3. Définissez le conflit de votre film — Élément de base de la dramaturgie

La vie est un enchevêtrement de conflits.

Nous avons des conflits quotidiens à résoudre, certains simples comme « sortir déjeuner ou préparer le déjeuner à la maison ?».

Dans les films, c’est pareil.

Le personnage doit prendre des décisions tout le temps et, comme dans la vie, il y a des obstacles.

Dans la dramaturgie classique, le conflit est généré par le besoin du personnage, lorsqu’il ne parvient pas à atteindre ses objectifs.

En ce sens, le conflit va généralement à l’encontre du protagoniste.

Scénariste Robert McKee affirme que « dans une histoire, rien ne va de l’avant si ce n’est pas à travers un conflit ».

Eh bien, quel est le conflit dans votre histoire ?

Si ce n’est pas déjà fait, vous devez le trouver.

Tout comme dans la vie, il existe différents types de conflits.

Passons au plus classique :

• Le conflit interne (entre le protagoniste et lui-même) ;
• La portée (entre le protagoniste et les personnages secondaires) ;
• L’extrapersonal (entre le protagoniste et une entreprise ou quelque chose de non humain, comme la nature).

Les parcelles les plus complexes abritent plus d’un type de conflit.

Pour qu’il n’y ait aucun doute sur ce qu’est un conflit, passons à des exemples :

• Conflit interne : Nicolas Cage vit un scénariste alcoolique dans « Farewell in Las Vegas » qui décide de boire à mort et connaît divers conflits avec son la conscience ;
• Conflit personnel : c’est assez courant dans les comédies, comment oublier les désaccords entre Ben Stiller et Robert De Niro dans « Getting into a Cold » ?
• Conflit extrapersonal : Julia Roberts vit Erin Brockovich et combat la compagnie d’énergie PG&E ou l’alpiniste vivant James Franco Aron Ralston qui se retrouve coincé dans une fissure lorsqu’un rocher tombe dans le film « 127 Hours ».

Pourquoi ne pas essayer de se souvenir du nom d’un film qui suscite plus d’un conflit ? Il y a une bonne séance d’entraînement.

Quoi qu’il en soit, ce que vous devez savoir, c’est que tout bon script a un conflit essentiel et doit être résumé en une seule phrase.

4. Créez des personnages cohérents dans la courbe dramatique

Définissez les personnages

Les scénaristes sont unanimes à dire qu’un bon film a besoin de personnages cohérents.

Syd Field dit quel personnage il est action et qu’il n’y a pas de personnage sans histoire, pas d’histoire sans personnage.

Connaissez-vous votre personnage en profondeur ?

• Quelle couleur préfère-t-il ?
• Quel âge a-t-il ?
• Comment s’est passée votre enfance ?
• Qui sont tes parents ?

Même si ces informations n’apparaissent pas dans le script, plus vous créez de nuances et de couches, plus elles paraîtront réelles.

Vous devez connaître et comprendre le protagoniste comme s’il était un ami proche.

Il existe plusieurs techniques pour profiler un protagoniste.

Les plus connus sont les formes dans lesquelles le scénariste remplit les informations avec les caractéristiques du personnage.

Nous avons préparé un dossier pour vous permettre de commencer. Il contient des informations de base et vous pouvez (et devriez) inclure de nombreuses autres questions. N’oubliez pas que plus vous en savez sur le personnage, mieux c’est.

Tous les livres de dramaturgie consacrent un chapitre sur les personnages.

Le Hongrois Lajos Egri, auteur de « The Art of Dramatic Writing », a été le plus consacré à l’étude du personnage.

Dessinez la courbe dramatique

La courbe dramatique consiste en la croissance de la situation dramatique jusqu’au sommet, puis elle commence à descendre, jusqu’à ce qu’elle revienne à la normale.

Il est étroitement lié à l’arc du personnage.

À travers une intrigue, un personnage corrige une faille, qu’il s’agisse ou non de surmonter un traumatisme.

La courbe dramatique est responsable de nous rendre anxieux ou tendus dans le fauteuil de cinéma.

Il s’agit essentiellement des variations d’intensité du film.

Dans la courbe dramatique classique, l’histoire commence à partir d’un point de départ qui montre la coupe choisie pour présenter au spectateur la situation, l’état initial de repos ou d’équilibre du protagoniste.

Pour une raison quelconque, il y a une pause dans le confort. Dans un premier temps, le protagoniste se lance dans la recherche d’un nouvel équilibre, représenté par la croissance de la courbe.

Le point culminant est le point où le conflit atteint son degré maximum et se résout lui-même.

5. Réalisez le scénario

Avec l’histoire et le conflit à l’esprit, il est temps d’écrire le scénario, qui est un document écrit avant Escaleta.

L’argument est un court texte qui raconte son histoire de façon simple.

Vous devez l’écrire sous forme de prose (paragraphes et discours directs), au présent et en maintenant la structure des actes : début, milieu et fin.

Il est également temps de présenter tous les personnages importants de l’intrigue.

Il n’y a pas beaucoup de consensus quant à la longueur de l’argument. Pour les auteurs novices, environ 3 à 5 pages sont recommandés.

Après tout, vous devez rapidement captiver un producteur potentiel qui reçoit des dizaines de projets hebdomadaires.

Enfin, lisez l’argument à haute voix et laissez les autres lire et dites-leur ce qu’ils comprennent de votre histoire.

Réécrivez autant de fois que nécessaire pour le rendre attrayant et facile à comprendre.

6. Développer chaque scène : Escaleta, la structure du script

Après avoir mis toute l’idée du script sur papier à travers l’argument, il est temps de structurer la façon dont le script sera développé.

L’échelle est cette structure, le squelette du script, avec le résumé de chaque scène.

Il doit contenir l’indication et la séparation des scènes, des situations et des actions du personnage.

À ce stade, vous n’avez toujours pas à vous soucier du dialogue.

Les scénaristes professionnels affirment que l’escaleta est essentielle, c’est une étude du scénario.

C’est à l’échelle qu’il faut fixer le rythme du film et c’est aussi à ce moment que l’ordre de l’histoire sera présenté.

Une technique largement utilisé est de séparer les scènes en cartes , afin que vous puissiez en modifier la séquence.

Poste coloré Cela fonctionne aussi. Vous pouvez utiliser les couleurs pour séparer des tissages spécifiques.

7. Écrivez votre SCÉNARIO

Une fois l’argumentation écrite et ronde et l’escalette terminée, il est temps de se concentrer sur les dialogues.

À ce stade, vous devez déjà connaître vos personnages plus que vous-même et être prêt à sortir toutes les phrases de leur bouche.

Asseyez-vous donc devant l’ordinateur et laissez les dialogues s’écouler.

Comme vous l’avez vu, il existe des normes de mise en forme pour l’écriture de scripts et il est important que vous les suiviez.

Le format le plus connu et le plus utilisé est le format Master Scenes.

Dans ce format, vous utiliserez la police Courier New taille 12.

La police ressemble aux lettres des anciennes machines à écrire et ce modèle fera correspondre chaque page de script. à environ 1 minute de la scène du film .

Les pages contiennent les éléments suivants :

• En-tête de scène ;
• Action ;
• Dialogues ;
• Transition.

En-tête 

L’en-tête introduit une nouvelle scène. Nous créons généralement une nouvelle scène lorsqu’il y a un changement d’espace (lieu) ou de temps.

L’en-tête apparaît toujours en majuscules et contient des informations sur le lieu et l’heure de la scène.

Si la scène se trouve à l’intérieur d’un lieu, nous utilisons l’acronyme « INT » et si elle est à l’extérieur, des scènes filmées dans des environnements ouverts comme des carrés, l’indication est « EXT ».

Action

Après l’en-tête vient l’action, qui est la description de ce qui se passe dans la scène, toujours à temps cadeau :

« Maria pose lentement sa main sur la poignée de la porte et ouvre la porte de sa maison. »

Enfin, le bloc de dialogue, composé du nom du personnage et de ce qu’il dit.

Cliquez sur la figure ci-dessous pour voir chacun de ces éléments et en savoir plus sur les autres.

8. Avis

Une fois que la première version est prête, passez en revue.

Pas seulement une fois, mais 10.

Peut-être 100.

La lecture à haute voix est également une technique très utilisée.

Vous devez visualiser chaque scène que vous avez créée et écouter chaque phrase qui sort de la bouche du protagoniste.

9. Présentez à quelqu’un et créez de nouveaux traitements

C’est vraiment cool de présenter le scénario à quelqu’un de plus expérimenté. Si possible pour un scénariste professionnel.

À cette fin, il existe des cours de scénarisation et des laboratoires .

Un nouveau look en plus d’un travail sur lequel vous vous penchez et auquel vous vous attache peut donner de bons résultats et de nouvelles versions.

Conseils importants

• La couverture du scénario doit contenir le titre de l’œuvre et le nom du scénariste et, bien sûr, ses contacts, tels que le courrier électronique et le téléphone. La première page n’est jamais numérotée.
• Toutes les autres pages doivent comporter une numérotation .
• Comme nous l’avons mentionné, la police par défaut est Courier News taille 12 et l’espacement est simple.
• N’utilisez pas d’italique ou de gras.
• Dans la description de l’action, ne répétez pas les informations déjà présentes dans l’en-tête .
• Il existe plusieurs manuels de formatage de scripts sur Internet, mais l’idéal n’est pas de gaspiller de l’énergie à ce sujet. Il existe des logiciels qui standardisent automatiquement tout pour vous , le plus utilisé par les scénaristes professionnels est Final Draft, mais vous pouvez commencer avec un logiciel plus simple. Celtx dispose d’une version gratuite et Amazon propose Story Writer qui est entièrement gratuit.
• Lisez de nombreux scripts sur Internet , il existe plusieurs sites qui fournissent des scripts complets.

Téléchargez les modèles

Vous avez pu constater que pour devenir scénariste, il faut beaucoup de dévouement, d’efforts et d’études, n’est-ce pas ?

Mais avec cette étape, vous pouvez commencer à vous aventurer !

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En plus des cours de scénarisation, l’AIC propose des cours de cinéma couvrant l’ensemble de la chaîne de production audiovisuelle, de l’idée à la distribution. Les formats et la durée varient en fonction de la zone et de la proposition des cours : cours en ligne en direct, cours plus courts et plus concentrés — tels que cours intensifs de vacances, cours semestriels de courte et moyenne durée, cours de formation gratuits annuels dans des domaines spécifiques du cinéma et cours techniques : Filmworks et Acting pour le cinéma et la télévision, d’une durée de deux ans. Un catalogue de plus de 50 cours proposés tout au long de l’année dans les unités Online, São Paulo et Rio de Janeiro. Découvrez :

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Outre les entretiens avec les scénaristes Paulo Marcelo do Vale et Clara Meirelles, les livres consultés pour cet article sont : « Screenplay Manual », de Leandro Saraiva et Newton Cannito et « The Power of Climax — Fundamentals of Film and TV Screenplay », de Luiz Carlos Maciel.